On parle beaucoup de la France, ce printemps à New York. De la capitale, plus précisément, qui s'affiche au milieu des panneaux publicitaires de Times Square. Une tour Eiffel dans la nuit, deux amoureux. Depuis le 11 avril, Un Américain à Paris, la comédie musicale coproduite par le théâtre du Châtelet est jouée sur Broadway, après avoir été un des succès de l'automne parisien lire Libération du 13 novembre. En traversant l'Atlantique, le spectacle a perdu une vingtaine de minutes, trois musiciens et le surtitrage en français, mais a gagné des gags, de l'expérience et l'envie de retrouver le berceau de son créateur, George Gershwin. De la première au Palace Theatre jusqu'aux salons du Sofitel, reportage dans les coulisses de cette recréation rouge et roulettes françaisesLe soir de la première, à 17 heures. Devant le théâtre, quinze journalistes en robe de soirée hurlent dans leur micro, quinze cameramen en costume-cravate s'entrechoquent devant un cordon de stars qui défile sous leurs yeux. Derrière eux, 1 700 personnes piétinent, ticket à la main, pour pénétrer dans la salle. Nous voilà dans le hall du Palace Theatre, qui donne sur Times Square et ne dépasse pas les 50 m2. Sont attendues pour la première d'Un Américain à Paris des vedettes comme Goldie Hawn, Gloria Estefan ou, dans un autre genre, Michael Eisner, l'ex-PDG de Disney. Lorsqu'une star est identifiée - tâche ardue tant les journalistes sourient comme des comédiennes -, elle passe de caméra en caméra. Certains artistes, moins connus, sont peu sollicités. Un sexagénaire, certainement célèbre dans son esprit, a beau arpenter deux fois le tapis rouge à dix minutes d'intervalle, personne ne le questionne. Au milieu de cette accumulation de tissus pailletés et de dentures resplendissantes, un Black de l'entretien, en polaire élimée, discute avec un gars de la sécurité. Une femme croque la scène à l'aquarelle. La foule s'écarte au passage d'un fauteuil roulant où gît un vieillard en smoking, James M. Nederlander, le propriétaire du théâtre, dont la société possède neuf établissements sur Broadway. Si vous voulez faire quelque chose dans le milieu, il faut être copain avec lui», explique un spectacle a quarante minutes de retard, phénomène rare aux Etats-Unis. La salle, qui a accueilli depuis cent deux ans des artistes aussi divers que Sarah Bernhardt, Fields ou Judy Garland, est pleine à craquer. Y rôderait même le fantôme de l'acrobate Louis Borsalino, qui avait chuté en 1935 sur cette scène, où une douche de lumière éclaire soudain un piano à queue. Brandon Uranowitz, qui interprète Adam Hochberg, musicien juif estropié, lance le show, avant de disparaître avec le piano et le tabouret, tous deux montés sur des roulettes conçues et fabriquées par les ateliers du théâtre du Châtelet», vantera plus tard son directeur, Jean-Luc Choplin, assis dans la salle aux côtés des coproducteurs américain Van Kaplan et Stuart black et monde du balletLe spectacle Un Américain à Paris a, à peu près, autant à voir avec Broadway que Florent Pagny chantant Caruso avec l'Opéra. Pour comprendre la différence entre ce spectacle et un show sur Times Square, il suffit de regarder ce qui y marche. Par exemple Kinky Boots, vainqueur de six Tony Awards en 2013 récompenses consacrées de la comédie musicale et qui triomphe depuis deux ans au Al Hirschfeld Theatre, bondé de touristes. On y voit une troupe d'acteurs-chanteurs-danseurs pris dans un feel-good musical sur le mode Acceptons la différence, comme, par exemple, cette drag-queen black». Les chansons, jouées live et plutôt réussies, sont de Cindy Lauper ; la scénographie, ingénieuse, fait virevolter les décors, et la mise en scène ne manque pas d'idées. Mais le script est maigre, la voix des chanteurs flanche et seules deux danseuses s'en sortent en talons aiguilles. Le sympathique et limité Kinky Boots cherche avant tout l'émotion et l'efficacité. Il y Américain à Paris revendique autre chose.Les spectacles sur une personnalité, ça ne marche pas. Il fallait s'éloigner de la figure de Gene Kelly et du film de Minnelli, pour aller vers la danse, Paris et le personnage de Lise», explique Jean-Luc Choplin, à la manœuvre depuis le début avec le théâtre du chorégraphe et metteur en scène britannique Christopher Wheeldon a, ainsi, déplacé dans le monde du ballet le canevas du film et du poème symphonique de Gershwin. A l'exception d'une scène reprenant les codes de Broadway, canes et claquettes sont ici effacées au profit de pointes et d'arabesques. L'Américain Robert Fairchild, danseur étoile du New York City Ballet, comme le fut jadis Wheeldon, y campe un héros traversant la Libération de Paris et les méandres de ses sentiments amoureux dans le costume d'un Gene Kelly dont il a la lointaine apparence, mais dont il ne partage pas le chemin artistique. La salle du Palace Theatre ressemble davantage à une annexe du Lincoln Center, où l'on présente du lyrique, qu'au Madison Square Garden où l'on propose des concerts. On se croirait à l'Opéra, j'ai jamais vu ça à Broadway», commente un New-Yorkais. C'est extrêmement fluide et la danse est magnifique», commente Helen Mirren, qui joue la reine d'Angleterre à quelques blorcs et qui est arrivée à l'entracte. Un Américain… vise d'évidence une forme de beauté et de dépassement dans le frottement entre classique et moderne. Comme la recherchait jadis tout est amourMon but est de décrire les impressions d'un Américain visitant Paris, ses promenades, les sons qu'il entend et la façon dont il s'absorbe de l'atmosphère française», écrivait le compositeur pour la présentation d'Un Américain… en décembre 1928 à Broadway. Il venait de passer quelques mois à Paris. Sur le conseil de Ravel, qu'il admirait et qu'il avait rencontré à New York, il était venu y suivre les cours de Nadia Boulanger, rue Ballu, célèbre pianiste et pédagogue qui lui apprit n'avoir rien à lui apprendre». De retour à New York, Gershwin mit la dernière main à son poème symphonique, en y incorporant d'ailleurs des bruits de klaxons parisiens. Le plus important, c'est Gershwin, c'est la force de Gershwin, que l'on réadapte ici. Pour moi, New York, c'est lui», martèle Wheeldon, barbichette et veste blanche. Le spectacle intègre, à côté de la partition d'Un Américain…, d'autres chansons du compositeur I Got Rhythm, Liza, The Man I Love. Quatre-vingt-cinq ans après sa création, l'intrication parisiano-new-yorkaise du titre est donc toujours aussi prégnante décor avec lustre à la Sempé, comme sur les unes du New Yorker, ballet final sur un fond inspiré de Mondrian… Y compris dans son mode de production transatlantique.Le seul risque que je prends est de ne pas gagner d'argent», calcule Jean-Luc Choplin. Après un an et demi de discussions avec les producteurs américains, il a monté pour 4 millions d'euros le spectacle au Châtelet, notamment grâce au succès du spectacle de l'humoriste Florence Foresti, quelques mois plus tôt. J'ai tout réinvesti dans Un Américain… merci, Florence !» Après trois mois à guichets fermés au Châtelet, qualifiés de démarrage phénoménal» par Wheeldon, le spectacle atterrit à Broadway pour une durée indéterminée. Déjà rentré dans ses frais sur la séquence parisienne, le théâtre du Châtelet va toucher des royalties sur chaque ticket vendu aux Etats-Unis. Ici, tout n'est donc qu'amour. A la soirée d'après-première au Pierre, restaurant de l'hôtel ultrachic donnant sur Central Park, 1 400 personnes se révèlent tout aussi amoureuses du buffet. Je précise que le Châtelet n'a pas mis un sou dans cette soirée», indique le directeur du théâtre parisien, qui lorgne son téléphone il est près de 22 heures et les premières critiques, décisives pour l'avenir du show, vont paraître sur le de yield management» au petit-déjeunerLe lendemain matin, dans un salon du Sofitel. Gorgeously danced», exhilarating brio», s'enflamme le critique du New York Times dans l'édition papier que Jean-Luc Choplin repose sur la table du petit-déjeuner. Sont assis avec lui Bruno Julliard, adjoint à la Culture à la mairie de Paris, et Sébastien Bazin, à la tête du groupe Accor et président, à titre personnel», du conseil d'administration du théâtre du Châtelet, venus pour l'événement. Ce matin, ils se disent fiers pour le Châtelet», et fiers d'être français». On entend même C'est ce que Broadway attendait un succès de fond, avec un peu de classe.» Rien moins.Ce spectacle est une opportunité exceptionnelle de promouvoir Paris, une pub quotidienne. On devrait installer un comptoir Air France au théâtre, sourit Julliard. Il faut développer ce genre de productions, aussi exigeantes que populaires.» Jean-Luc Choplin détaille son système de coproduction gagnant-gagnant Les Américains ont un spectacle clé en mains. Et nous devrions toucher au moins 500 000 dollars par an [464 000 euros]. Bien sûr, le spectacle peut s'arrêter du jour au lendemain ou, au contraire, continuer, et si la demande est forte, le prix des places peut augmenter.» On appelle ça du yield management, une optimisation de la rentabilité», explique Sébastien Bazin, regard froid et bracelets brésiliens au on demande à Julliard si l'attribution des subventions au Châtelet sera aussi en yield management, l'adjoint à la Culture temporise Il n'y a pas d'ambition d'économies supplémentaires. Au contraire, il faut approfondir le modèle.» Il rappelle que la baisse actuelle des subventions aux théâtres est due à deux difficultés, qu'[il] espère passagères» les répercussions de la crise sur les collectivités, mais aussi l'arrivée dans l'est de Paris de nouveaux équipements culturels [CentQuatre, Philharmonie, ndlr]. Il faut trouver des moyens pour recréer des marges de production».Dans cette période de restrictions, les établissements culturels cherchent des portes de sortie financières Stéphane Lissner, le directeur de l'Opéra de Paris, indiquait ne plus faire la fine bouche au sujet du mécénat ; certains théâtres, comme l'Athénée, ont détaché un de leur salarié pour privatiser le mieux possible leur établissement les temps de relâche… Est-ce à dire que la martingale du Châtelet se trouve dans un système de copro avec Broadway ? Pas du tout, coupe Choplin. Nous avons différentes pistes pour diversifier nos sources, il y a Broadway, mais il y a aussi le désir d'une programmation différente.» Comme par exemple celle de comiques, seuls sur scène et qui dégagent de belles croise les doigts en attendant l'attribution des Tony Awards, en juin. D'ici là, comme l'explique de façon déterminée Bazin, il faut faire connaître ce formidable travail, avec force, mais sans arrogance. Les spectacles du Châtelet sont des sans-faute. Il faut attirer des partenaires, des investisseurs, des coproducteurs».Après New York, le futur du Châtelet pourrait se jouer à Cuba, pour une possible coproduction de Carmen Jones.

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Rien ne va plus entre le maître de ballet du Palais Garnier et les danseurs. Les négociations autour de son départ sont enclenchées depuis longtemps, mais la rupture est désormais consommée. Le mécénat pourrait en souffrir. Cela couvait depuis des mois. Rien ne va plus entre Benjamin Millepied et le ballet de l’Opéra de Paris. Le documentaire La relève » que Canal Plus avait diffusé fin décembre, dans lequel le danseur prenait la liberté de critiquer tout ce qui avait été fait avant lui, était un signe avant-coureur. Mal reçu en interne, il avait aussi choqué en externe. L’ex-danseur étoile du New York City Ballet, devenu patron de la danse à Garnier, émettait même des doutes sur le fait que le ballet de l’Opéra de Paris méritait une place sur le podium des meilleures compagnies de danse au monde… Gênant quand le documentaire est une coproduction signée avec… l’Opéra de Paris. Le directeur de cette grande maison, Stéphane Lissner, défendait encore officiellement son protégé il y a quelques jours. Logique cette erreur de casting est la sienne, donc impossible de se désavouer. Dès le départ les dés étaient pipés. Pour le faire venir, Lissner lui a promis monts et merveilles et a occulté la complexité du poste de directeur de ballet. Le choix a été fait d’être dans le show off ». Pourtant la star ne doit pas être Benjamin Millepied, mais le ballet de l’Opéra de Paris ! », souligne un observateur qui souhaite garder l’anonymat. Et d’ajouter Benjamin ne dirigeait auparavant qu’un modeste collectif de danseurs, il n’avait aucune expérience d’une institution publique française de cette taille, avec ses lourdeurs, ni de la gestion d’une compagnie de cent-cinquante danseurs ; il ne s’agit pas seulement de créer des chorégraphies, loin de là». Si tu veux parler à Benjamin, laisse lui un message sur Facebook ! » Le patron de l’Opéra de Paris a eu beau promettre à Benjamin Millepied la nomination d’un nouvel administrateur, de réorganiser l’équipe autour de lui pour le soulager, le ver était dans le fruit. A quelques jours de la générale de sa nouvelle chorégraphie, le danseur était loin, très loin, en Californie, au lieu d’assister aux dernières répétitions. A Garnier, on a coutume de dire depuis longtemps déjà si tu veux parler à Benjamin, laisse lui un message sur Facebook ! », révèle une employée des lieux. Accro d’Instagram, Facebook, Twitter, le chorégraphe a montré plus d’enthousiasme pour tourner des petits films destinés à alimenter la 3ème scène » numérique de l’Opéra de Paris, qu’à manager le ballet, parvenant en revanche à dresser étoiles et jeunes danseurs les uns contre les autres. Il n’a pas un caractère facile, ne contrôle pas suffisamment sa parole. Il est nourri de nouvelles technologies, de culture américaine, et a voulu faire le New York City Ballet au Palais Garnier. Même en termes de fréquentation, cela n’est pas probant, car Chaillot et le Théâtre de la Ville le font à des tarifs deux à trois fois moins chers », constate encore cette personne du sérail. Bref, le moral des troupes déclinait, et la direction de la création artistique du Ministère de la Culture la tutelle commençait à s’en préoccuper. Après Noureev et Dupond, nouvelle erreur de casting On a oublié, après le long épisode de Brigitte Lefèvre qui a géré pendant 20 ans le ballet de l’Opéra de Paris, que les expériences précédentes de danseurs-étoiles devenus managers de la compagnie, n’avaient pas vraiment été probantes. Cela s’est mal terminé entre Noureev, chorégraphe inventif mais absent la moitié du temps, et le directeur de l’époque Pierre Bergé. Idem pour Patrick Dupond, chouchou du public mais personnalité compliquée. Brigitte Lefèvre, au profil à la fois artistique et administratif – elle était précédemment déléguée à la danse au ministère de la culture – était elle présente du matin au soir, scrutant le moindre détail de la grille tarifaire à la reconversion des danseurs. Choisie par Hugues Gall, nommé directeur de l’Opéra de Paris en 1994, soucieux que la danse ait une identité forte, elle avait apprivoisé une compagnie réputée difficile. Homme pressé, hypersollicité, Benjamin Millepied n’a pas eu la patience de comprendre les codes du ballet et plus généralement de l’Opéra de Paris, coincé dans un scénario qui n’était pas celui imaginé. Dommage car, à son arrivée, les danseurs étaient vraiment séduits. Il sera intéressant de voir quels seront les éléments de langages et le calendrier donnés par Stéphane Lissner lors de la conférence de presse de ce jeudi. Le futur directeur du ballet devrait être annoncé à cette occasion. Reste que cette rupture risque de ternir aussi le rayonnement dont bénéficiait l’ex-directeur de la Scala de Milan. Benjamin Millepied va quitter l’Opéra de Paris.

Ninaest ballerine au sein du très prestigieux New York City Ballet. Sa vie, comme celle de toutes ses consœurs, est entièrement vouée à la danse. Lorsque Thomas Leroy, le directeur artistique de la troupe, décide de remplacer la danseuse étoile Beth Mcintyre pour leur nouveau spectacle, Le Lac des cygnes, son choix s'oriente vers Nina. Mais une nouvelle arrivante, Lily, l'impressionne

"Je fais cela pour toutes les petites filles à la peau brune", répète régulièrement Misty Copeland dans son autobiographie Une vie en mouvement. Vendredi 2 août, cette première danseuse du American Ballet Theatre, l'équivalent d'une danseuse étoile, brillera sur la scène de l'Opéra Bastille dans le ballet de Marius Petipa et d'Alexei Ratmansky, La belle au bois dormant. Sa compagnie est invitée pour huit représentations à Paris, elle sera présente dans trois, le 2, le 3 et le 10 septembre. Avant d'en arriver là, Misty Copeland a dû attendre longtemps. 32 ans exactement avant d'être nommée "principal dancer" le 30 juin 2015. Un parcours classique pourrait-on penser. Ce serait oublier la couleur de sa peau qui a été tant pointée du doigt comme un obstacle par le monde du ballet. Et pourtant, l'an dernier, sur la pointe des pieds, la ballerine a révolutionné 75 ans de tradition. Elle est la toute première danseuse afro-américaine à accéder à ce poste tant convoité depuis la création de l'American Ballet Theatre en 1940. "J’ai consacré toute ma carrière à devenir une danseuse étoile à l’American Ballet Theatre car je voulais abattre une barrière qui parait bien souvent insurmontable. Malgré ce que certains ont pu suggérer, la gloire n’est pas mon objectif. Si je voulais entrer dans l’histoire, ce n’est pas seulement en mon nom. En devenant la première femme noire à occuper une telle position dans une compagnie nationale, je pouvais faire un pas en avant pour tous les jeunes et beaux danseurs qui viendront après moi", souligne Misty Copeland dans la préface de son livre. "Je veux leur ouvrir la voie car j’espère que ça facilitera leur parcours. Je prie même pour qu’ils me surpassent car ça signifierait que leur fardeaux ont été allégés, qu’ils peuvent entrer dans la lumière des projecteurs", revendique la danseuse qui a dû faire face aux préjugés. En les balayant d'un joli coup de pied, elle a ainsi ouvert avec grâce la porte de la danse classique à la diversité. Et ce n'était pas gagné d'avance. Une formation sur le tardAlors que la plupart des petits rats intègrent de prestigieuses écoles dès l'âge de raison, l’étincelante danseuse américaine n'avait, avant ses treize ans, jamais mis les pieds dans une salle de danse. La seule musique susceptible de la faire bouger à l'époque n'était pas celle de Tchaïkovski, mais celle de Mariah Carrey. La sportive qui la fait rêver est Nadia Comaneci, la gymnaste parfaite, pas Sylvie Guillem, la danseuse étoile française. Grâce à la persévérance de sa professeur Cindy, elle se prend finalement de passion pour la danse classique. Et c'est désormais la carrière de Paloma Herrera, nommée danseuse étoile à 19 ans, qui fait rêver Misty Copeland. Un rêve a priori inaccessible lorsqu'on chausse ses premiers chaussons à 13 ans. D'ailleurs, nombreux sont ceux qui ont estimé que sa formation tardive ne pourrait la mener à la carrière qu'elle a aujourd'hui. Ils avaient corps différentParmi ceux qui n'ont pas cru en elle, il y a le très prestigieux New York City Ballet. Ils ne voulaient pas d'elle parce qu'elle était noire, lui expliqua clairement celle qui avait découvert son talent. À quinze ans alors qu'elle souhaitait effectuer un stage d'été dans les grands ballets américains, tous avaient répondu positivement à sa demande, à l'exception du ballet de George Balanchine "qui ne souhaitait même pas qu'elle concoure". Misty Copeland lors d'un concours de danse en 1997. Âgée de 15 ans, cela fait à peine deux ans qu'elle apprend la danse classique lorsque cette vidéo est tournée. Elle intégrera le corps de ballet de l'American Ballet Theater quatre ans plus celle de New York, nombreuses sont les institutions qui prônent une uniformité dans le ballet. Un aspect essentiel pour certains passages de ballet comme le célèbre pas de quatre du Lac des Cygnes, où chaque danseuse ne doit former qu'une avec sa voisine. Mais une exigence incohérente lorsqu'il s'agit d'être étoile, un danseur unique, aux mouvements personnels. Dans ce rôle la différence est un atout. En 2015, Misty Copeland a prouvé à tous ses détracteurs qu'ils avaient eu tort, en interprétant Odette, le cygne qui redevient femme dès la nuit tombée. Le pas de quatre du Lac des cygnes par le ballet du BolchoïAu-delà de la couleur de peau, d'autres caractéristiques physiques sont souvent demandées par ces prestigieuses institutions. La forme des hanches qui permet une ouverture plus ou moins grande, une silhouette longiligne, un long cou, de grands bras... Des attributs obligatoires selon eux, qui ont brisé bons nombres de rêves. Pourtant, encore une fois, en un tour de pirouette, Misty Copeland a fait disparaître ces exigences vieillottes. Avec ses 1m57, sa poitrine largement plus conséquente que celle de ses partenaires du même niveau, et son corps, à première vue plus proche de celui d'une gymnaste que d'une danseuse étoile, la ballerine a imposé sa différence. Un spot publicitaire dans lequel Misty Copeland fait tomber les a priori. Le texte récité est proche de la lettre qu'elle a reçu adolescente de la part du New York City milieu modesteÉlevée par sa mère, accompagnée de ses cinq frères et sœurs, Misty Copeland a été bringuebalée de maisons en motels, suivant le chemin des amants, maris ou compagnons de celle qui l'a mise au monde. Pas tout à fait le milieu doré et rigoureux de l'Opéra. D'abord timide vis-à-vis de la danse, elle va petit à petit éclore à la façon d'un Billy Elliot. Contrairement à la plupart de ses camarades de scène, elle n'a pas été biberonnée à l'éducation de l'histoire du ballet, primordiale pour les danseurs, mais s'est plongée avec envie dans ces histoires lorsque cela fût nécessaire. Un retard facilement rattrapé. Un obstacle de plus abattu. "La plupart de mes homologues ont grandi immergées dans les arts, enfilant leurs premiers tutus peu après avoir appris à marcher. Elles passaient leurs étés en Europe, alors qu’on me délivra mon premier passeport à 17 ans. Elles étaient issues de familles où l’on possédait des résidences secondaires, j’avais vécu une partie de mon adolescence dans un hôtel crapoteux. Mais je me distinguais aussi d’une autre manière, plus profonde. J’étais une fillette à la peau brune dans un océan de blancheur", écrit la danseuse dans son parcours, semé d’embûches, a aussi fait d'elle l'étoile qu'elle est aujourd'hui. Pourtant, dès le départ cette vie lui semblait destinée. La silhouette de Misty Copeland est très proche de celle de La petite danseuse, sculptée par Edgar Degas en 1881. Elle ressemble aussi beaucoup à la ballerine parfaite selon le chorégraphe russe George Balanchine "Une petite tête, des épaules tombantes, de longues jambes, de grands pieds et une cage thoracique étroite". Ironie de l'histoire, c'est le New York City Ballet qu'il créa, qui ne prit pas la peine de lever le rideau des préjugés. " La Petite Danseuse de quatorze ans", d'Edgar DegasINOLTRE SU HUFFPOSTDanse avec les stars 6 en images

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Ехраճисери ющик	Ուշሪтвፐж ቫеኂер ρуዚևզийխզ	Иζ χ еհጴг

Lancien danseur étoile («principal») du New York City Ballet a vu sa notoriété, déjà bien établie outre-Atlantique, s'envoler vers des sommets après le film Black Swan de Darren

^{Un chef d’orchestre qui rêve de diriger du ballet, ça n’existe pas. C’est aussi improbable qu’un enfant qui plus tard voudrait devenir critique » François Truffaut. Fayçal Karoui ne doit pas être comme tout le monde car l’idée l’a immédiatement enthousiasmé. Lorsqu’il a été assistant de Michel Plasson à Toulouse, on a cherché à l’occuper en lui confiant une Belle au bois dormant ». Enchantement du jeune musicien ! Tout content de trouver du sang neuf motivé, Hugues Gall l’a engagé à l’Opéra de Paris dans un ballet de Balanchine Slaughter on Tenth Avenue ». La danseuse américaine, venue transmettre la chorégraphie aux étoiles de l’Opéra de Paris, a été impressionnée par son charisme. Elle en a parlé à Peter Martins, le directeur du New York City Ballet, qui cherchait désespérément un directeur musical. Quand Peter Martins lui a proposé le poste, Fayçal Karoui a téléphoné à Hugues Gall. N’allait-il pas être catalogué comme chef de ballet ? En France, on est si étriqué sur ce point. Il faut y aller, a dit Gall, le répertoire est tellement riche » Et comment ! Chorégraphe aux Ballets russes de Serge Diaghilev à Paris puis à Monte Carlo, George Balanchine a créé le New York City Ballet en 1948. Il est le père de la danse américaine, l’une des trois plus brillantes au monde avec la française et la russe. Stravinsky et Balanchine ont imaginé la plus fascinante collaboration de tous les temps entre un chorégraphe et un musicien. Trente ballets en portent le génie Agon, Violin Concerto, Symphonie en ut, Le baiser de la fée, Pulcinella, L’oiseau de feu, etc. Balanchine, son chorégraphe associé, Jérôme Robbins, et son successeur désigné Peter Martins ont traduit en mouvements une grande partie du répertoire symphonique du XXe siècle. Pour un chef d’orchestre, c’est l’assurance de fréquenter quotidiennement Ravel, Debussy, Webern, Berg, Bartok…à un haut niveau. Certes, ce n’est pas à Carnegie Hall, mais dans une fosse d’orchestre. Mais pourquoi ce qui est normal à l’opéra deviendrait à dédaigner au ballet. L’essentiel, c’est qu’au New York City Ballet, la musique soit au centre de la réalisation artistique. Pour Balanchine, le chorégraphe n’était pas un créateur solitaire, mais un chercheur dévoué, qui devait s’efforcer de trouver le mouvement correspondant à chaque musique. Il était lui-même capable de transcrire à vue le Concerto pour violon de Stravinsky et de le jouer au piano.. En cinq ans, Fayçal Karoui a fait des merveilles à New York. Mais depuis dix ans, avec l’Orchestre de Pau, Pays de Béarn, il a réalisé des miracles. D’un orchestre local de routine, il a fait une formation de niveau national, invitant les plus grands solistes, formant un public passionné, exigeant et diversifié, allant porter la musique dans les universités, les prisons, les banlieues, multipliant les collaborations artistiques originales. Il vient de prendre la direction de l’Orchestre Lamoureux. Une nouvelle aventure commence et elle sera passionnante. Voici son programme Schumann Concerto pour piano, avec Etsuko Hirosé 2/ Schubert quintette à 2 violoncelles en ut 2ème mouvt Quatuor Weller 3/ Mozart requiem Kyrie 4/ Debussy la Mer, de l’aube à midi sur la mer 5/ Guillaume Connesson Techno Parade Madeleines 1/ Mozart concerto pour piano 21 2/ Piaf La foule 3/ Oum Kalsoum La vie Ravel Daphnie et Chloé lever du jour L’amour Berlioz symphonie fantastique rêverie passion La mort Pergolese stabat mater 1er mouvt}

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étoile française du new york city ballet